TantantiuW

Filsafat dan estetika

Filsafat musik adalah subfield filsafat. Filosofi musik adalah studi tentang pertanyaan mendasar tentang musik. Studi filosofis musik memiliki banyak koneksi dengan pertanyaan filosofis dalam metafisika dan estetika. Beberapa pertanyaan dasar dalam filsafat musik adalah:

Pada zaman kuno, seperti dengan Yunani Kuno, estetika musik menjelajahi dimensi matematika dan kosmologis organisasi berirama dan harmonis. Pada abad kedelapan belas, fokus bergeser ke pengalaman musik pendengaran, dan dengan demikian untuk pertanyaan tentang keindahan dan kenikmatan manusia (plaisir dan jouissance) musik. Asal usul pergeseran filosofis ini kadang-kadang dikaitkan dengan Baumgarten pada abad ke-18, diikuti oleh Kant. Melalui tulisan mereka, istilah kuno 'estetika', yang berarti persepsi sensorik, menerima konotasi masa kini nya. Pada tahun 2000-an, filsuf cenderung menekankan isu-isu selain keindahan dan kenikmatan. Misalnya, kapasitas musik untuk mengekspresikan emosi telah menjadi isu sentral.

Pada abad ke-20, kontribusi penting dibuat oleh Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton, dan Stephen Davies. Namun, banyak musisi, kritikus musik, dan non-filsuf lain telah memberikan kontribusi untuk estetika musik. Pada abad ke-19, sebuah perdebatan yang signifikan muncul antara Eduard Hanslick, seorang kritikus musik dan musikolog, dan komposer Richard Wagner mengenai apakah musik dapat mengekspresikan makna. Harry Partch dan beberapa ahli musik lainnya, seperti Kyle Gann, telah mempelajari dan mencoba untuk mempopulerkan musik microtonal dan penggunaan skala musik alternatif. Juga banyak komponis modern seperti La Monte Young, Rhys Chatham dan Glenn Branca membayar banyak perhatian untuk skala disebut hanya intonasi.

Hal ini sering berpikir bahwa musik memiliki kemampuan untuk mempengaruhi emosi kita, intelektualitas, dan psikologi; dapat meredakan kesepian kita atau menghasut nafsu kita. Filsuf Plato menyarankan di Republik musik yang memiliki efek langsung pada jiwa. Oleh karena itu, ia mengusulkan bahwa dalam musik rezim yang ideal akan diatur ketat oleh negara. (Buku VII)

Telah ada kecenderungan kuat dalam estetika musik untuk menekankan pentingnya penting dari struktur komposisi; Namun, masalah lain yang menyangkut estetika musik termasuk lirik, harmoni, hipnotis, emotiveness, dinamika temporal, resonansi, main-main, dan warna (lihat juga perkembangan musik).

Psikologi

Modern psikologi musik bertujuan untuk menjelaskan dan memahami perilaku musik dan pengalaman Penelitian di bidang ini dan subbidang yang terutama empiris.; pengetahuan mereka cenderung untuk maju atas dasar interpretasi data yang dikumpulkan dengan observasi sistematis dan interaksi dengan peserta manusia. Selain fokus pada persepsi fundamental dan proses kognitif, psikologi musik adalah bidang penelitian dengan relevansi praktis untuk berbagai bidang, termasuk pertunjukan musik, komposisi, pendidikan, kritik, dan terapi, serta investigasi dari bakat manusia, keterampilan, kecerdasan , kreativitas, dan perilaku sosial.

neuroscience kognitif musik

neuroscience kognitif musik adalah studi ilmiah mekanisme berbasis otak yang terlibat dalam proses kognitif yang mendasari musik. Perilaku ini termasuk mendengarkan musik, pertunjukan, menyusun, membaca, menulis, dan kegiatan pendukung. Hal ini juga semakin peduli dengan dasar otak untuk estetika musik dan emosi musik. lapangan dibedakan oleh ketergantungan pada pengamatan langsung dari otak, menggunakan teknik seperti pencitraan resonansi magnetik fungsional (fMRI), transcranial magnetic stimulation (TMS), magnetoencephalography (MEG), electroencephalography (EEG), dan tomografi emisi positron (PET) .

musikologi kognitif

musikologi kognitif adalah cabang ilmu kognitif berkaitan dengan komputasi pemodelan pengetahuan musik dengan tujuan memahami musik dan kognisi.Penggunaan model komputer menyediakan menuntut, media interaktif di mana untuk merumuskan dan menguji teori-teori dan memiliki akar di buatan kecerdasan dan ilmu kognitif.

bidang interdisipliner ini meneliti topik-topik seperti paralel antara bahasa dan musik di otak. model biologis terinspirasi dari perhitungan sering termasuk dalam penelitian, seperti jaringan saraf dan program evolusi.Bidang ini bertujuan untuk memodelkan bagaimana pengetahuan musik diwakili, disimpan, dirasakan, dilakukan, dan yang dihasilkan. Dengan menggunakan lingkungan komputer yang terstruktur, struktur sistematis fenomena kognitif dapat diselidiki.

psychoacoustics

Psychoacoustics adalah studi ilmiah dari persepsi suara. Lebih khusus lagi, adalah cabang ilmu mempelajari respon psikologis dan fisiologis yang berhubungan dengan suara (termasuk pidato dan musik). Hal ini dapat lebih dikategorikan sebagai cabang dari psychophysics.

musikologi evolusi

musikologi evolusi menyangkut "asal-usul musik, pertanyaan lagu hewan, tekanan seleksi yang mendasari evolusi musik", dan "evolusi musik dan evolusi manusia".Ini berusaha untuk memahami persepsi dan aktivitas musik dalam konteks teori evolusi. Charles Darwin berspekulasi bahwa musik mungkin telah mengadakan keuntungan adaptif dan difungsikan sebagai bahasa purba yang, pandangan yang telah melahirkan beberapa teori evolusi musik bersaing. Sebuah pandangan alternatif melihat musik sebagai oleh- a produk evolusi linguistik; jenis "cheesecake pendengaran" yang menyenangkan indra tanpa memberikan fungsi adaptif.Pandangan ini telah langsung dimentahkan oleh banyak peneliti musik.

Budaya di kognisi musik
budaya individu atau etnis berperan dalam kognisi musik mereka, termasuk preferensi mereka, reaksi emosional, dan memori musik. preferensi musik yang condong ke tradisi musik yang akrab dengan budaya yang dimulai pada masa bayi, dan orang dewasa 'klasifikasi emosi sepotong musik tergantung pada kedua fitur struktural kultural spesifik dan universal.Selain itu, individu kemampuan memori musik yang lebih besar untuk musik akrab budaya dari musik asing budaya.

Banyak penelitian etnografi menunjukkan bahwa musik adalah kegiatan partisipatif, berbasis masyarakat.Musik dialami oleh individu dalam berbagai pengaturan sosial mulai dari sendirian menghadiri sebuah konser besar, membentuk sebuah komunitas musik, yang bisa tidak dipahami sebagai fungsi dari kehendak individu atau kecelakaan; itu termasuk kedua peserta komersial dan non-komersial dengan seperangkat nilai-nilai bersama yang umum. pertunjukan musik mengambil bentuk yang berbeda di berbagai budaya dan milieus sosial ekonomi. Di Eropa dan Amerika Utara, sering ada kesenjangan antara apa jenis musik dipandang sebagai "budaya tinggi" dan "budaya rendah." "Budaya tinggi" jenis musik biasanya mencakup seni musik Barat seperti Baroque, Klasik, Romantis, dan simfoni era-modern, concerto, dan karya-karya solo, dan biasanya terdengar di konser formal dalam ruang konser dan gereja, dengan penonton duduk tenang di kursi.

jenis musik lain-termasuk, namun tidak terbatas pada, jazz, blues, soul, dan negara-sering dilakukan di bar, klub malam, dan teater, di mana penonton mungkin dapat minum, tari, dan mengekspresikan diri dengan bersorak-sorai. Sampai abad ke-20 nanti, pembagian antara bentuk-bentuk musik "tinggi" dan "rendah" secara luas diterima sebagai perbedaan yang valid yang dipisahkan kualitas yang lebih baik, lebih maju "seni musik" dari gaya populer musik terdengar di bar dan ruang tari.

Namun, pada 1980-an dan 1990-an, ahli musik mempelajari ini membagi dirasakan antara "tinggi" dan "rendah" genre musik berpendapat bahwa perbedaan ini tidak didasarkan pada nilai musik atau kualitas dari berbagai jenis musik.Sebaliknya, mereka berpendapat bahwa perbedaan ini sebagian besar didasarkan pada sosial ekonomi berdiri atau kelas sosial dari para pemain atau penonton dari berbagai jenis musik.Sebagai contoh, sedangkan penonton untuk konser simfoni klasik biasanya memiliki pendapatan di atas rata-rata, para penonton untuk konser rap di daerah dalam kota mungkin memiliki pendapatan di bawah rata-rata.meskipun para pemain, penonton, atau tempat di mana non- "seni" musik dilakukan mungkin memiliki status sosial ekonomi rendah, musik yang dilakukan , seperti blues, rap, punk, funk, atau ska mungkin sangat kompleks dan canggih.

Ketika komposer memperkenalkan gaya musik yang melanggar dengan konvensi, bisa ada resistensi yang kuat dari para ahli musik akademik dan budaya populer. Akhir-periode Beethoven kuartet string, Stravinsky skor balet, serialism, bebop era-jazz, hip hop, punk rock, dan electronica semuanya telah dianggap non-musik oleh beberapa kritikus ketika mereka pertama kali diperkenalkan. Tema tersebut diperiksa dalam sosiologi musik. Studi sosiologis musik, kadang-kadang disebut sosiomusikologi, sering dikejar di departemen sosiologi, studi media, atau musik, dan berkaitan erat dengan bidang etnomusikologi.

Musik yang komponis membuat dapat didengar melalui beberapa media; cara yang paling tradisional adalah untuk mendengarnya langsung, di hadapan para musisi (atau sebagai salah satu musisi), di ruang luar atau dalam ruangan seperti amfiteater, ruang konser, ruang kabaret atau teater. Sejak abad ke-20, musik juga dapat disiarkan melalui radio, televisi atau internet, atau direkam dan mendengarkan pada pemutar CD atau Mp3 player. Beberapa gaya musik fokus pada menghasilkan suara untuk pertunjukan, sementara yang lain fokus pada menghasilkan rekaman yang mencampur bersama-sama suara yang pernah bermain "hidup." Perekaman, bahkan pada dasarnya hidup gaya seperti rock, sering menggunakan kemampuan untuk mengedit dan sambatan untuk menghasilkan rekaman yang dapat dianggap "lebih baik" dari kinerja aktual.

Teknologi telah memiliki pengaruh pada musik sejak zaman prasejarah, ketika gua orang menggunakan latihan tangan untuk membuat lubang ke dalam tulang seruling 41.000 tahun yang lalu. Teknologi terus mempengaruhi musik sepanjang sejarah musik, seperti itu memungkinkan instrumen baru dan sistem reproduksi notasi musik yang akan digunakan, dengan salah satu momen DAS dalam notasi musik menjadi penemuan mesin cetak di tahun 1400-an, yang berarti skor musik ada lagi harus tangan disalin. Pada abad ke-19, teknologi musik menyebabkan pengembangan, piano lebih keras lebih kuat dan menyebabkan perkembangan instrumen kuningan katup baru. Di awal abad 20 (di akhir 1920-an), sebagai berbicara gambar muncul di awal abad 20, dengan trek musik yang direkam sebelumnya mereka, peningkatan jumlah musisi orkestra moviehouse menemukan diri mereka keluar dari pekerjaan.

Selama tahun 1920 tinggal pertunjukan musik oleh orkestra, pianis, dan organis teater yang umum pada perdana teater.dengan kedatangan film berbicara, mereka pertunjukan unggulan sebagian besar dihilangkan. The American Federation of Musicians (AFM) mengeluarkan iklan koran memprotes penggantian musisi hidup dengan perangkat bermain mekanik. Satu 1929 iklan yang muncul di Pittsburgh Tekan fitur gambar kaleng berlabel "Kaleng Music / Big Kebisingan Merek / Dijamin Menghasilkan ada Intelektual atau Emotional Reaksi Apapun".

Sejak undang-undang diperkenalkan untuk membantu melindungi pemain, komposer, penerbit dan produsen, termasuk Audio Home Recording Act of 1992 di Amerika Serikat, dan pada tahun 1979 direvisi Konvensi Berne untuk Perlindungan Karya Seni dan Sastra di Inggris, rekaman dan pertunjukan live juga telah menjadi lebih mudah diakses melalui komputer, perangkat dan Internet dalam bentuk yang umumnya dikenal sebagai Music-On-Demand.

Dalam banyak budaya, ada sedikit perbedaan antara melakukan dan mendengarkan musik, karena hampir semua orang yang terlibat dalam beberapa jenis kegiatan musik, sering komunal. Di negara-negara industri, mendengarkan musik melalui bentuk rekaman, seperti rekaman suara atau menonton video musik, menjadi lebih umum daripada mengalami live performance, kira-kira di pertengahan abad ke-20.

Kadang-kadang, pertunjukan live menggabungkan suara rekaman. Misalnya, seorang disc jockey menggunakan catatan disc untuk menggaruk, dan beberapa karya abad ke-20 memiliki solo untuk instrumen atau suara yang dilakukan bersama dengan musik yang direkam ke tape. Komputer dan banyak keyboard dapat diprogram untuk memproduksi dan bermain Musical Instrument Digital Interface (MIDI) musik. Pemirsa juga bisa menjadi pemain dengan berpartisipasi dalam karaoke, kegiatan asal Jepang berpusat pada perangkat yang memainkan versi suara-dihilangkan dari lagu terkenal. Kebanyakan mesin karaoke juga memiliki layar video yang menunjukkan lirik lagu yang dilakukan; pemain dapat mengikuti lirik saat mereka menyanyikan atas trek instrumental.

Lapangan dan melodi

Lapangan adalah sensasi subjektif, mencerminkan umumnya kualitas yang memungkinkan untuk menilai suara musik, catatan atau nada sebagai dan dalam arti yang tepat terkait dengan melodi musik, garis bass dan akord, dan dalam arti yang lebih umum "lebih tinggi" "rendah" di mana pendengar mendengar piccolo sebagai tinggi di lapangan dari drum bass yang mendalam. lapangan tepat hanya dapat ditentukan dalam suara yang memiliki frekuensi yang jelas dan cukup stabil untuk membedakan dari kebisingan. Sebagai contoh, akan lebih mudah bagi pendengar untuk membedakan pitch satu catatan dimainkan pada piano daripada mencoba untuk membedakan nada simbal kecelakaan yang melanda.

Melodi lagu tradisional "Pop Goes si Musang" Tentang suara Putar ini (bantuan · info)
Melodi (juga disebut "tune") adalah serangkaian pitches (catatan) terdengar berturut-turut, sering dalam pola naik dan turun. Catatan dari melodi biasanya dibuat dengan menggunakan sistem lapangan seperti sisik atau mode. Melodi juga sering berisi catatan dari akord yang digunakan dalam lagu. Melodi di lagu-lagu rakyat yang sederhana dan lagu-lagu tradisional mungkin hanya menggunakan catatan dari skala tunggal, skala terkait dengan catatan tonik atau kunci dari sebuah lagu yang diberikan. Misalnya, sebuah lagu rakyat dalam kunci C (juga disebut sebagai C mayor) mungkin memiliki melodi yang hanya menggunakan catatan dari skala C mayor (individu mencatat C, D, E, F, G, A, B dan C, ini adalah "catatan putih" pada keyboard piano di sisi lain, Bebop-era jazz dari tahun 1940-an dan musik kontemporer dari 20 dan abad ke-21 dapat menggunakan melodi dengan banyak catatan kromatik (yaitu, catatan di samping.

catatan dari skala besar, pada piano, skala kromatik akan mencakup semua catatan pada keyboard, termasuk "catatan putih" dan "catatan hitam" dan skala yang tidak biasa, seperti seluruh nada skala (seluruh nada skala di kunci C akan berisi catatan C, D, E, F♯, G♯ dan A♯). A rendah, garis musik dalam dimainkan oleh instrumen bass seperti double bass, bass listrik atau tuba disebut bassline.

Harmoni dan akord

Ketika musisi memainkan tiga atau lebih catatan yang berbeda pada saat yang sama, ini menciptakan akord. Dalam musik Barat, termasuk musik klasik, musik pop, musik rock dan banyak gaya terkait, akord yang paling umum adalah triads- tiga catatan biasanya dimainkan pada saat yang sama. akord yang paling umum digunakan adalah akord utama dan akord minor. Contoh dari akord utama adalah tiga pitches C, E dan G. contoh akord minor adalah tiga pitches A, C dan E. (foto adalah pemain gitar melakukan akord pada gitar).

Harmony mengacu pada "vertikal" suara lapangan dalam musik, yang berarti lapangan yang dimainkan atau dinyanyikan bersama-sama pada waktu yang sama untuk membuat akord. Biasanya ini berarti catatan dimainkan pada saat yang sama, meskipun harmoni juga dapat tersirat oleh melodi yang menguraikan struktur harmonik (yaitu, dengan menggunakan catatan melodi yang dimainkan satu demi satu, menguraikan catatan dari akord). Dalam musik ditulis menggunakan sistem nada suara mayor-minor ( "kunci"), yang mencakup musik paling klasik ditulis 1600-1900 dan sebagian besar Western pop, rock dan musik tradisional, kunci dari sepotong menentukan skala yang digunakan, yang berpusat di sekitar "rumah catatan" atau tonik kunci.

Sederhana potongan klasik dan banyak pop dan lagu-lagu musik tradisional ditulis sehingga semua musik adalah di satu tombol. Lebih kompleks klasik, pop dan musik tradisional lagu dan potongan mungkin memiliki dua kunci (dan dalam beberapa kasus tiga atau lebih kunci). Musik klasik dari era Romantis (ditulis dari sekitar 1820-1900) sering berisi beberapa tombol, seperti halnya jazz, terutama Bebop jazz dari tahun 1940-an, di mana kunci atau "catatan rumah" dari sebuah lagu bisa berubah setiap empat bar atau bahkan setiap dua bar.

Irama

Rhythm adalah pengaturan suara dan keheningan dalam waktu. Meteran menjiwai waktu di kelompok pulsa reguler, yang disebut tindakan atau bar, yang pada musik klasik, populer dan tradisional Barat sering catatan kelompok di set dua (misalnya, 2/4 waktu), tiga (misalnya, 3/4 waktu, juga dikenal sebagai Waltz waktu, atau 3/8 waktu), atau empat (misalnya, 4/4 waktu). Meter dibuat lebih mudah untuk mendengar karena lagu dan potongan sering (tetapi tidak selalu) menempatkan penekanan pada ketukan pertama dari setiap kelompok. pengecualian ada, seperti backbeat digunakan di banyak pop Barat dan rock, di mana lagu yang menggunakan ukuran yang terdiri dari empat ketukan (disebut 4/4 waktu atau waktu yang umum) akan memiliki aksen pada ketukan dua dan empat, yang biasanya dilakukan oleh drummer pada snare drum, instrumen perkusi keras dan khas yang terdengar. Dalam pop dan rock, bagian-bagian irama lagu yang dimainkan oleh rhythm section, yang meliputi instrumen chord-playing (misalnya, gitar listrik, gitar akustik, piano, atau instrumen keyboard yang lain), instrumen bass (biasanya bass listrik atau untuk beberapa gaya seperti jazz dan bluegrass, double bass) dan pemain drum.

Tekstur
tekstur musik adalah suara secara keseluruhan dari sepotong musik atau lagu. Tekstur sepotong atau bernyanyi ditentukan oleh bagaimana bahan melodis, ritmis, dan harmonis digabungkan dalam komposisi, sehingga menentukan sifat keseluruhan suara di sepotong. Tekstur sering digambarkan dalam hal kepadatan, atau ketebalan, dan jangkauan, atau lebar, antara terendah dan tertinggi pitches, secara relatif serta lebih khusus dibedakan menurut jumlah suara, atau bagian, dan hubungan antara suara-suara (lihat jenis umum di bawah ini). Misalnya, tekstur tebal berisi banyak 'lapisan' instrumen. Salah satu lapisan ini bisa menjadi bagian string, atau kuningan lain. Ketebalan ini juga dipengaruhi oleh jumlah dan kekayaan instrumen.

Tekstur umumnya digambarkan sesuai dengan jumlah dan hubungan antara bagian-bagian atau garis musik: monophony: melodi tunggal (atau "tune") dengan tidak iringan instrumen atau bagian harmoni. Seorang ibu menyanyikan lagu pengantar tidur untuk bayinya akan menjadi contoh. heterophony: dua atau lebih instrumen atau penyanyi bermain / bernyanyi melodi yang sama, tetapi dengan setiap pemain sedikit bervariasi irama atau kecepatan melodi, atau menambahkan ornamen yang berbeda untuk melodi.

Dua fiddlers bluegrass bermain lagu biola tradisional yang sama bersama-sama akan biasanya setiap bervariasi melodi sedikit dan masing-masing menambahkan ornamen yang berbeda. polifoni: beberapa baris melodi independen yang menjalin bersama-sama, yang dinyanyikan atau dimainkan pada waktu yang sama. musik paduan suara yang ditulis di era musik Renaissance itu biasanya ditulis dalam gaya ini. Sebuah babak, yang merupakan lagu seperti "Row, Row, Row Your Boat", yang kelompok yang berbeda dari penyanyi semua mulai menyanyi pada waktu yang berbeda, ini adalah contoh sederhana dari polifoni. homophony: melodi yang jelas disertai dengan akord. Kebanyakan lagu musik populer Barat dari abad ke-19 dan seterusnya ditulis dalam tekstur ini.

Musik yang berisi sejumlah besar bagian independen (misalnya, konserto ganda disertai dengan 100 instrumen orkestra dengan banyak garis melodi menjalinnya) umumnya dikatakan memiliki "lebih tebal" atau "padat" tekstur dari sebuah karya dengan beberapa bagian (misalnya, flute melodi sendirian disertai dengan cello tunggal).

Timbre atau "nada warna"

Timbre, kadang-kadang disebut "warna" atau "nada warna" adalah kualitas atau suara dari suara atau instrumen.Timbre adalah apa yang membuat musik tertentu terdengar berbeda dari yang lain, bahkan ketika mereka memiliki lapangan dan kenyaringan yang sama. Sebagai contoh, 440 Hz Sebuah catatan suara yang berbeda ketika dimainkan pada oboe, piano, biola atau gitar listrik. Bahkan jika pemain yang berbeda dari instrumen yang sama bermain catatan yang sama, catatan mereka mungkin terdengar berbeda karena perbedaan dalam teknik instrumental (misalnya, embouchures yang berbeda), berbagai jenis aksesoris (misalnya, corong untuk pemain kuningan, alang-alang untuk oboe dan bassoon pemain) atau string yang terbuat dari bahan yang berbeda untuk pemain string yang (misalnya, string usus dibandingkan senar baja). Bahkan dua instrumentalis bermain catatan yang sama pada instrumen yang sama (satu demi satu) mungkin terdengar berbeda karena cara yang berbeda dari bermain instrumen (misalnya, dua pemain string yang mungkin memegang busur berbeda).

Karakteristik fisik dari suara yang menentukan persepsi timbre termasuk spektrum, amplop dan nada catatan atau suara musik. Untuk instrumen listrik yang dikembangkan di abad ke-20, seperti gitar listrik, bass listrik dan piano listrik, pemain juga dapat mengubah nada dengan menyesuaikan kontrol equalizer, kontrol nada pada instrumen, dan dengan menggunakan efek elektronik unit seperti pedal distorsi. Nada organ Hammond listrik dikendalikan dengan menyesuaikan drawbars.

Ekspresi

Penyanyi menambahkan ekspresi melodi mereka bernyanyi menggunakan banyak metode, termasuk mengubah nada nyanyian mereka, menambahkan vibrato catatan tertentu, atau menekankan kata-kata penting dalam lirik.

kualitas ekspresif unsur-unsur dalam musik yang menciptakan perubahan dalam musik tanpa mengubah lapangan utama atau secara substansial mengubah irama melodi dan iringan nya. Pelaku, termasuk penyanyi dan instrumentalis, dapat menambahkan ekspresi musik untuk lagu atau sepotong dengan menambahkan kalimat, dengan menambahkan efek seperti vibrato (dengan suara dan beberapa instrumen, seperti gitar, biola, instrumen kuningan dan woodwinds), dinamika (kenyaringan atau kelembutan sepotong atau bagian dari itu), fluktuasi tempo (misalnya, ritardando atau accelerando, yang masing-masing memperlambat dan mempercepat tempo), dengan menambahkan jeda atau fermatas pada irama, dan dengan mengubah artikulasi catatan ( misalnya, membuat catatan lebih jelas atau beraksen, dengan membuat catatan lebih Legato, yang berarti lancar terhubung, atau dengan membuat catatan pendek).

bentuk

Dalam musik, bentuk menjelaskan bagaimana struktur keseluruhan atau rencana lagu atau karya musik,dan menjelaskan tata letak komposisi sebagai dibagi menjadi beberapa bagian.Pada awal abad 20, Tin Pan Alley lagu dan Broadway lagu musik sering di AABA 32 bentuk bar, di mana bagian A diulang sama delapan bar melodi dan bagian B yang disediakan melodi dan / atau harmoni kontras untuk 8 bar. Dari tahun 1960 dan seterusnya, Western pop dan rock lagu sering dalam bentuk ayat-chorus, yang berbasis di sekitar urutan ayat dan paduan suara ( "menahan diri") bagian, dengan lirik baru bagi kebanyakan ayat-ayat dan mengulangi lirik untuk chorus. musik populer sering membuat penggunaan bentuk strophic, kadang-kadang dalam hubungannya dengan dua belas bar blues.

Dalam edisi kesepuluh The Oxford Companion to Music, Percy Scholes mendefinisikan bentuk musik sebagai "serangkaian strategi yang dirancang untuk menemukan rata-rata sukses antara ekstrem kebalikan dari pengulangan tak henti-hentinya dan perubahan tak henti-hentinya." Contoh bentuk umum dari musik Barat termasuk fugue, penemuan, sonata-allegro, canon, strophic, tema dan variasi, dan rondo. Scholes menyatakan bahwa musik klasik Eropa hanya enam yang berdiri sendiri bentuk: biner sederhana, terner sederhana, biner majemuk, rondo, udara dengan variasi, dan fugue (meskipun musikolog Alfred Mann menekankan bahwa fugue adalah terutama metode komposisi yang kadang-kadang diambil pada konvensi 

struktural tertentu
Di mana sepotong tidak mudah dapat dipecah menjadi unit sectional (meskipun mungkin meminjam beberapa bentuk dari puisi, cerita atau program), itu dikatakan melalui-terdiri. Seperti yang sering terjadi dengan fantasia, awal, rhapsody, etude (atau studi), puisi simfoni, Bagatelle, dadakan, dll [rujukan?] Profesor Charles Keil diklasifikasikan bentuk dan detail yang formal sebagai "sectional, perkembangan, atau variational."

bentuk sectional

Formulir ini dibangun dari urutan yang jelas unit  yang mungkin disebut dengan huruf tetapi juga sering memiliki nama generik seperti pengenalan dan coda, eksposisi, pengembangan dan rekapitulasi, ayat, paduan suara atau menahan diri, dan jembatan. Introduksi dan codas, ketika mereka tidak lebih dari itu, sering dikeluarkan dari analisis formal. Semua unit tersebut biasanya mungkin delapan langkah panjang. Bentuk Sectional meliputi:

bentuk Strophic

Medley, bunga rampai adalah kebalikan ekstrim, bahwa dari "variasi tak henti-hentinya": itu hanya urutan tak terbatas bagian mandiri (ABCD ...), kadang-kadang dengan mengulangi (AABBCCDD ...). Contohnya termasuk overtures orkestra, yang kadang-kadang tidak lebih dari serangkaian lagu-lagu terbaik dari acara teater musikal atau opera untuk datang.

Komposisi

"Komposisi" adalah tindakan atau praktek menciptakan lagu atau bagian lain dari musik. Dalam banyak budaya, termasuk musik klasik Barat, tindakan menyusun juga mencakup penciptaan notasi musik, seperti lembaran musik "skor", yang kemudian dilakukan oleh komposer atau penyanyi atau musisi lain. Dalam musik populer dan musik tradisional, tindakan menyusun, yang biasanya disebut lagu, mungkin melibatkan penciptaan suatu uraian dasar dari lagu tersebut, yang disebut lembaran timah, yang menetapkan melodi, lirik dan akor. Dalam musik klasik, komposer biasanya orchestrates komposisi sendiri, tapi di teater musikal dan musik pop, penulis lagu dapat menyewa seorang arranger untuk melakukan orkestrasi. Dalam beberapa kasus, penulis lagu mungkin tidak menggunakan notasi sama sekali, dan malah menulis lagu dalam pikirannya dan kemudian bermain atau merekamnya dari memori. Dalam jazz dan musik populer, terkenal rekaman oleh artis berpengaruh diberikan bobot yang skor ditulis bermain di musik klasik.

Bahkan ketika musik dinotasikan relatif tepat, seperti dalam musik klasik, ada banyak keputusan yang seorang pemain harus membuat, karena notasi tidak menentukan semua unsur musik tepat. Proses memutuskan bagaimana melakukan musik yang sebelumnya telah disusun dan dinotasikan disebut "interpretasi". interpretasi pemain yang berbeda 'dari pekerjaan yang sama musik dapat bervariasi, dari segi tempo yang dipilih dan bermain atau bernyanyi gaya atau kalimat dari melodi. Komposer dan penulis lagu yang hadir musik mereka sendiri yang menafsirkan, seperti halnya mereka yang melakukan musik lain. Tubuh standar pilihan dan teknik hadir pada waktu tertentu dan tempat tertentu disebut sebagai praktek kinerja, sedangkan interpretasi umumnya digunakan untuk berarti pilihan individu dari seorang pemain.

Meskipun komposisi musik sering menggunakan notasi musik dan memiliki seorang penulis tunggal, hal ini tidak selalu terjadi. Sebuah karya musik dapat memiliki beberapa komposer, yang sering terjadi pada musik populer ketika band berkolaborasi untuk menulis lagu. Sebuah karya musik juga dapat terdiri dengan program kata-kata, gambar, atau komputer yang menjelaskan atau notate bagaimana penyanyi atau musisi harus membuat suara musik. Contoh kisaran ini dari lonceng angin bergemerincing di angin, musik avant-garde yang menggunakan notasi grafis, teks komposisi seperti Aus den Sieben Tagen, untuk program komputer yang memilih suara untuk potongan musik. Musik yang membuat penggunaan berat dari keacakan dan kesempatan disebut musik aleatoric, dan berhubungan dengan komposer kontemporer aktif dalam abad ke-20, seperti John Cage, Morton Feldman, dan Witold Lutosławski.

Studi komposisi secara tradisional didominasi oleh pemeriksaan metode dan praktek musik klasik Barat, tetapi definisi komposisi cukup luas penciptaan lagu-lagu musik populer dan tradisional dan potongan instrumental dan menyertakan karya spontan improvisasi seperti yang pemain free jazz dan perkusionis Afrika seperti drumer Ewe.

notasi musik

Lembaran musik ditulis representasi musik. Ini adalah homorhythmic sebuah (yaitu, himne-gaya) penataan sepotong tradisional berjudul "Adeste fidèles", dalam standar format dua staf untuk suara campuran. Tentang suara Putar ini.

Notasi adalah ekspresi tertulis dari catatan musik dan irama di atas kertas menggunakan simbol-simbol. Saat musik ditulis, pitches dan irama musik dinotasikan, bersama dengan petunjuk tentang cara untuk melakukan musik (misalnya, mengenai tempo). Studi tentang cara membaca notasi melibatkan teori musik, harmoni, studi tentang praktek kinerja, dan dalam beberapa kasus pemahaman tentang metode kinerja historis. notasi ditulis bervariasi dengan gaya dan periode musik. musik dinotasikan diproduksi sebagai lembaran musik. Untuk melakukan musik dari notasi membutuhkan pemahaman dari kedua elemen ritmis dan lapangan diwujudkan dalam simbol dan praktek kinerja yang berhubungan dengan sepotong musik atau genre. Dalam improvisasi, pelaku sering diputar dari musik di mana hanya perubahan akord dan bentuk lagu ditulis, membutuhkan pemahaman yang besar struktur, harmoni musik dan gaya dari genre tertentu (misalnya, jazz atau musik country).

Dalam Seni musik Barat, jenis yang paling umum dari notasi ditulis puluhan, yang mencakup semua bagian musik dari sepotong ensemble, dan bagian, yang merupakan notasi musik untuk pemain individu atau penyanyi. Dalam musik populer, jazz, dan blues, notasi musik standar adalah lembaran timah, yang notates melodi, chords, lyrics (jika itu adalah bagian vokal), dan struktur musik. buku palsu juga digunakan dalam jazz; mereka dapat terdiri dari lembaran timah atau grafik hanya kord, yang memungkinkan anggota rhythm section berimprovisasi bagian iringan lagu jazz. Skor dan bagian juga digunakan dalam musik populer dan jazz, khususnya di ansambel besar seperti jazz "big band." Dalam musik populer, gitaris dan pemain bass listrik sering membaca musik dinotasikan dalam tablature (sering disingkat sebagai "tab"), yang menunjukkan lokasi dari catatan yang akan dimainkan pada instrumen menggunakan diagram dari gitar atau bass fingerboard. Tabulature juga digunakan di era Baroque notate musik untuk kecapi, sebuah senar, instrumen cemas.

Improvisasi

improvisasi musik adalah penciptaan musik spontan, sering dalam (atau berdasarkan) kerangka harmonik yang sudah ada atau perkembangan kord. Improvisasi adalah tindakan komposisi seketika oleh pemain, di mana teknik komposisi bekerja dengan atau tanpa persiapan. Improvisasi adalah bagian utama dari beberapa jenis musik, seperti blues, jazz, dan jazz fusion, di mana pemain berperan berimprovisasi solo, garis melodi dan bagian iringan. Dalam tradisi seni musik Barat, improvisasi merupakan keterampilan penting selama era Baroque dan selama era klasik. Di era Baroque, pemain improvisasi ornamen dan pemain keyboard yang basso continuo improvisasi voicings chord berdasarkan notasi bass pikir. Dalam era klasik, artis solo dan penyanyi improvisasi cadenzas virtuoso selama konser. Namun, pada abad ke-21 ke-20 dan awal, sebagai "praktek umum" performance art musik barat menjadi dilembagakan dalam orkestra simfoni, rumah opera dan balet, improvisasi telah memainkan peran yang lebih kecil. Pada saat yang sama, beberapa komposer modern semakin termasuk improvisasi dalam karya kreatif mereka. Dalam musik klasik India, improvisasi adalah komponen inti dan kriteria penting dari pertunjukan.

Teori

teori musik mencakup sifat dan mekanisme musik. Ini sering melibatkan mengidentifikasi pola yang mengatur teknik komponis 'dan memeriksa bahasa dan notasi musik. Dalam arti besar, teori musik menyuling dan menganalisa parameter atau unsur-unsur musik - ritme, harmoni (fungsi harmonik), melodi, struktur, bentuk, dan tekstur. Secara umum, teori musik mungkin termasuk pernyataan apapun, keyakinan, atau konsepsi atau sekitar musik.Orang yang mempelajari sifat ini dikenal sebagai teori musik. Beberapa telah diterapkan akustik, fisiologi manusia, dan psikologi untuk penjelasan tentang bagaimana dan mengapa musik dirasakan.
Unsur musik

Musik memiliki banyak fundamental atau elemen yang berbeda. Tergantung pada definisi "unsur" yang digunakan, ini dapat mencakup: pitch, mengalahkan atau pulsa, tempo, ritme, melodi, harmoni, tekstur, gaya, alokasi suara, timbre atau warna, dinamika, ekspresi, artikulasi, bentuk dan struktur . Unsur-unsur musik menonjol dalam kurikulum musik dari Australia, Inggris dan Amerika Serikat. Ketiga kurikulum mengidentifikasi lapangan, dinamika, timbre dan tekstur sebagai elemen, namun unsur diidentifikasi musik lain yang jauh dari universal disepakati. Di bawah ini adalah daftar dari tiga versi resmi dari "unsur-unsur musik":
  
Sehubungan dengan kurikulum UK, pada tahun 2013 istilah: "sesuai notasi musik" telah ditambahkan ke daftar mereka elemen dan judul daftar itu berubah dari "unsur-unsur musik" ke "dimensi yang saling terkait musik". Dimensi yang saling terkait musik terdaftar sebagai:. Pitch, durasi, dinamika, tempo, timbre, tekstur, struktur dan notasi musik yang sesuai.

Ungkapan "unsur-unsur musik" digunakan dalam berbagai konteks yang berbeda. Dua konteks yang paling umum dapat dibedakan dengan menggambarkan mereka sebagai "elemen dasar musik" dan "elemen persepsi musik".

elemen dasar musik
Pada 1800-an, frasa "unsur-unsur musik" dan frasa "dasar-dasar musik" yang digunakan secara bergantian. Unsur-unsur yang dijelaskan dalam dokumen ini mengacu pada aspek musik yang dibutuhkan untuk menjadi musisi, penulis Terbaru seperti Estrella tampaknya akan menggunakan frase "unsur musik" dengan cara yang sama. Definisi yang paling akurat mencerminkan penggunaan ini adalah: "prinsip-prinsip dasar dari seni, ilmu pengetahuan, dll .: unsur tata bahasa."Inggris kurikulum beralih ke "dimensi yang saling terkait musik" tampaknya menjadi kembali ke menggunakan elemen dasar musik.
elemen persepsi musik

Sejak munculnya studi psychoacoustics di tahun 1930-an, sebagian besar daftar unsur musik telah lebih terkait dengan bagaimana kita mendengar musik dari bagaimana kita belajar untuk bermain atau belajar itu. Masehi Seashore, dalam buku Psikologi tentang Music,mengidentifikasi empat "atribut psikologis suara". Ini adalah: "lapangan, kenyaringan, waktu, dan timbre" (p 3.). Dia tidak menyebut mereka "unsur-unsur musik" tetapi menyebut mereka sebagai "komponen unsur" . Meskipun demikian komponen unsur menghubungkan persis dengan empat dari unsur-unsur musik yang paling umum: "Pitch" dan "timbre" match persis, "kenyaringan" link dengan dinamika dan "waktu" link dengan elemen berbasis waktu irama, durasi dan tempo. Ini penggunaan frasa "unsur-unsur musik" link lebih dekat dengan New 20th Century Dictionary definisi Webster dari unsur sebagai: "suatu zat yang tidak dapat dibagi menjadi bentuk yang lebih sederhana dengan metode yang dikenal"dan daftar lembaga pendidikan 'dari elemen sejajar dengan daftar ini juga.

Penulis daftar "unsur-unsur dasar musik" bervariasi daftar mereka tergantung pada prioritas pribadi mereka. Namun, dalam kaitannya dengan unsur-unsur persepsi musik, itu harus mungkin untuk mengidentifikasi daftar elemen diskrit yang dapat dimanipulasi secara independen untuk mencapai efek musik dimaksudkan. Tampaknya pada tahap ini bahwa masih ada penelitian yang harus dilakukan di daerah ini.Analisis gaya musik Funk menempatkan sebagian besar penekanan pada ritme dan alur, dengan seluruh lagu berbasis di sekitar vamp pada akord tunggal. Digambarkan adalah funk musisi berpengaruh George Clinton dan Funkadelic Parlemen pada tahun 2006.

Beberapa gaya musik menempatkan penekanan pada tertentu fundamental ini, sementara yang lain menempatkan kurang penekanan pada unsur-unsur tertentu. Untuk memberikan satu contoh, sementara Bebop-era jazz yang menggunakan akord yang sangat kompleks, termasuk dominan diubah dan menantang progresi akord, dengan akord mengubah dua kali atau lebih per bar dan tombol berubah beberapa kali dalam sebuah lagu, tempat funk sebagian besar penekanan pada ritme dan alur, dengan seluruh lagu berbasis di sekitar vamp pada akord tunggal. Sementara era Romantis musik klasik dari pertengahan sampai akhir 1800-an membuat penggunaan besar dari perubahan dramatis dinamika, dari berbisik bagian pianossimo ke bagian fortissimo gemuruh, beberapa seluruh suite tari Baroque untuk harpsichord dari awal 1700-an dapat menggunakan dinamis tunggal. Untuk memberikan contoh lain, sementara beberapa potongan seni musik, seperti simfoni yang sangat panjang, beberapa lagu pop yang hanya beberapa menit.

Musik adalah sebuah bentuk seni dan kegiatan budaya yang menengah adalah suara dan keheningan. Unsur-unsur umum musik adalah lapangan (yang mengatur melodi dan harmoni), irama (dan konsep terkait tempo, meter, dan artikulasi), dinamika (kenyaringan dan kelembutan), dan kualitas sonik timbre dan tekstur (yang kadang-kadang disebut "warna" dari suara musik). gaya yang berbeda atau jenis musik dapat menekankan, de-menekankan atau menghilangkan beberapa elemen-elemen ini. Musik dilakukan dengan berbagai macam instrumen dan dengan teknik vokal mulai dari menyanyi untuk rap, dan ada semata-mata potongan instrumental, hanya potongan vokal (seperti lagu tanpa iringan instrumental) dan potongan-potongan yang menggabungkan menyanyi dan instrumen. 

Kata ini berasal dari Yunani (mousike; "seni Muses") Dalam bentuk yang paling umum, kegiatan menggambarkan musik sebagai bentuk seni termasuk produksi karya musik (lagu, lagu, simfoni, dan sebagainya. pada), kritik musik, studi tentang sejarah musik, dan pemeriksaan estetika musik. Kuno Yunani dan filsuf India didefinisikan musik sebagai nada memerintahkan horisontal sebagai melodi dan vertikal sebagai harmoni. Ucapan untuk umum seperti "harmoni bola" dan "itu adalah musik ke telinga saya" menunjuk ke gagasan bahwa musik sering dipesan dan menyenangkan untuk mendengarkan. Namun, abad ke-20 komposer John Cage berpikir bahwa suara apapun dapat musik, mengatakan, misalnya, "Tidak ada suara, hanya suara.

Penciptaan, kinerja, makna, dan bahkan definisi musik bervariasi sesuai dengan budaya dan konteks sosial. Memang, sepanjang sejarah, beberapa bentuk baru atau gaya musik telah dikritik sebagai "tidak menjadi musik", termasuk Beethoven Grosse Fuge kuartet string pada tahun 1825, awal jazz di awal 1900-an dan punk hardcore di 1980-an.Ada banyak jenis musik, termasuk musik populer, musik tradisional, seni musik, musik yang ditulis untuk upacara keagamaan dan lagu kerja seperti chanteys. rentang musik dari ketat diatur komposisi-seperti simfoni klasik musik dari tahun 1700-an dan 1800-an, hingga spontan memainkan musik improvisasi seperti jazz, dan gaya avant-garde kesempatan berdasarkan musik kontemporer dari abad ke-20 dan ke-21.

Musik dapat dibagi menjadi genre (misalnya, musik country) dan genre dapat dibagi lagi menjadi subgenre (misalnya, blues negara dan negara pop adalah dua dari banyak subgenre negara), meskipun garis pemisah dan hubungan antara genre musik sering halus, kadang-kadang terbuka untuk interpretasi pribadi, dan kadang-kadang kontroversial. Misalnya, akan sulit untuk menarik garis antara beberapa awal tahun 1980-an hard rock dan heavy metal. Dalam seni, musik dapat diklasifikasikan sebagai seni pertunjukan, seni rupa atau sebagai seni pendengaran. Musik dapat dimainkan atau dinyanyikan dan mendengar langsung di sebuah konser rock atau kinerja orkestra, mendengar hidup sebagai bagian dari pekerjaan yang dramatis (pertunjukan musik teater atau opera), atau dapat direkam dan mendengarkan pada radio, MP3 player, CD player, Smartphone atau sebagai bagian dari sebuah film atau acara TV.

Dalam banyak budaya, musik adalah bagian penting dari cara hidup masyarakat, karena memainkan peran kunci dalam ritual keagamaan, ritus upacara bagian (misalnya, wisuda dan pernikahan), kegiatan sosial (misalnya, menari) dan kegiatan budaya mulai dari amatir karaoke menyanyi untuk bermain di band funk amatir atau bernyanyi di paduan suara masyarakat. Orang mungkin membuat musik sebagai hobi, misalnya, seorang remaja yang bermain cello dalam orkestra muda, atau dengan bekerja sebagai musisi profesional atau penyanyi. Industri musik termasuk individu yang menciptakan lagu baru dan potongan musik, seperti penulis lagu dan komposer; individu yang melakukan musik, yang meliputi orkestra, band jazz dan band rock musisi, penyanyi dan konduktor; individu yang musik rekaman (produser musik dan insinyur suara) dan mengatur tur konser; dan mereka yang menjual rekaman dan lembaran musik untuk pelanggan.

Etimologi

Kata ini berasal dari Yunani (mousike; "seni Muses") Dalam mitologi Yunani, sembilan merenung adalah dewi yang terinspirasi sastra, ilmu pengetahuan, dan seni dan yang menjadi sumber pengetahuan yang terkandung dalam. puisi, lagu-lagu, dan mitos dalam budaya Yunani. Menurut Kamus Etimologi Online, istilah "musik" berasal dari "mid-13c., Musike, dari Old musique Perancis (12c.) Dan langsung dari musica Latin" seni musik, "juga termasuk puisi (juga [yang ] sumber musica Spanyol, musica Italia, Old Tinggi mosica Jerman, Jerman musik, muziek Belanda, musik Denmark). " Ini berasal dari "... Yunani mousike (techne)" (art) dari Muses, "dari fem. Dari Mousikos" berkaitan dengan Muses, "dari Mousa" Muse "(lihat muse /n). Modern ejaan [tanggal] dari [yang] 1630-an. di Yunani klasik, [istilah "musik" mengacu] setiap seni di mana Muses dipimpin, tetapi terutama musik dan puisi liris.

Sebagai bentuk seni atau hiburan
Musik terdiri dan dilakukan untuk berbagai tujuan, mulai dari kesenangan estetika, tujuan keagamaan atau upacara, atau sebagai produk hiburan untuk pasar. Ketika musik hanya tersedia melalui skor lembaran musik, seperti selama era Klasik dan Romantic, pecinta musik akan membeli lembaran musik dari potongan favorit mereka dan lagu sehingga mereka bisa melakukan mereka di rumah pada piano. Dengan munculnya rekaman suara, catatan lagu-lagu populer, bukan lembaran musik menjadi cara yang dominan pecinta musik akan menikmati lagu-lagu favorit mereka. Dengan munculnya tape recorder rumah di tahun 1980-an dan musik digital pada 1990-an, pecinta musik bisa membuat kaset atau playlist lagu-lagu favorit mereka dan membawa mereka dengan mereka pada pemutar kaset portabel atau pemutar MP3. Beberapa pecinta musik membuat campuran kaset lagu-lagu favorit mereka, yang berfungsi sebagai "potret diri, tanda persahabatan, resep untuk pesta yang ideal ... [dan] lingkungan yang terdiri hanya dari apa yang paling rajin dicintai.

musisi amatir menulis dan / atau melakukan musik untuk kesenangan mereka sendiri, dan memperoleh penghasilan mereka di tempat lain. musisi profesional yang dipekerjakan oleh berbagai lembaga dan organisasi, termasuk angkatan bersenjata (di marching band, band konser dan kelompok musik populer), gereja dan sinagog, orkestra simfoni, penyiaran atau produksi film perusahaan, dan sekolah musik. musisi profesional kadang-kadang bekerja sebagai freelancer atau musisi sesi, mencari kontrak dan keterlibatan dalam berbagai pengaturan. Sering ada banyak link antara musisi amatir dan profesional. Awal musisi amatir mengambil pelajaran dengan musisi profesional. Dalam pengaturan masyarakat, musisi amatir lanjutan tampil dengan musisi profesional di berbagai ansambel seperti band konser masyarakat dan orkestra masyarakat.

Perbedaan sering dibuat antara musik yang dilakukan untuk audiens hidup dan musik yang dilakukan di sebuah studio sehingga dapat direkam dan didistribusikan melalui sistem musik ritel atau sistem penyiaran. Namun, ada juga banyak kasus di mana pertunjukan di depan penonton juga dicatat dan didistribusikan. rekaman konser yang populer di kedua musik klasik dan dalam bentuk musik populer seperti rock, di mana direkam secara ilegal konser dihargai oleh pecinta musik. Dalam band adegan jam, hidup, jam sesi improvisasi lebih disukai untuk rekaman studio.